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| 台灣女性藝術家的抽象繪畫表現｜看陳張莉、楊世芝、賴純純、薛保瑕近作 |
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文 / 簡丹
長久以來，美術園地一直為男性藝術家所掌控，女性藝術家一直在有限的空間下求生存，顯得無力又無奈，可是傑出的女性藝術家卻不在少數，如果能有系列、有計劃地作介紹，將有助於讀者對女性藝術家的認識與了解。另外，在台灣，抽象藝術一直不被認識、不被了解，與讀者之間有著深深的鴻溝。
結合「女性」與「抽象藝術」的展覽，可為台灣的藝術愛好群呈現一種新風貌。而為避免推介艱澀難解的抽象畫，我選擇了四位中堅輩的女性抽象畫家——陳張莉、楊世芝、賴純純與薛保瑕，她們都在台灣舉辦過個展、擁有碩士以上的學歷、具有多年從事創作抽象繪畫的經驗。
她們用自己生命中最精華的歲月，努力地在耕這方名為「抽象繪畫」的田，從未怠懈，如今撒下的種，長出金黃的穗，正等待有心人的欣賞與肯定。
不在意別人的評論，只在意給自己「定位」
年前，在台中巧遇陳張莉；年後，在紐約蘇活區她的工作室聊天，真正體會到地球村的生活層次，好個天涯若比鄰。
曾經陳張莉也畫寫實畫，但因為自覺寫實能力不夠好，而轉往抽象發展。她說：「抽象表現不受拘束，也毋需在風格上求穩定，我求的是自由、是新鮮，再由其間找出問題去面對解決；在創作上，我追求精神上的風格，而不是形式上的風格。」
一九九○年，陳張莉創作一系列喚作「夢魘」的作品，色彩艷麗、筆觸強勁、線條尖銳、肌理厚重，明白地呈現了創作者內心世界的紛亂與掙扎。當時，她一個人在紐約求學，離開舒適的家，孤單地來到紐約追求心中的藝術，不安定的情愫，形成了她在創作上的獨特風格。
九一年的「意象空間」系列，運用灰、黑的層次，營造出深邃寧靜的氛圍，陳張莉明顯地用畫筆來填補自己的感情世界。
九二年，「人生與自然」系列讓觀者看到了穩健、和諧的陳張莉，至此她所關注的議題也由個人轉到他人和自然界中；陳張莉的自省與成長，完整地在作品中呈現。她說：「現實與創作之間，我確定是要繼續下去的，但創作只是『人生』的一部分，而不是『大人生』，一個人的修為反而是更重要的。」
在紐約普拉特藝術學院取得藝術碩士學位之後，陳張莉至今仍居留在人文薈萃的蘇活區，她表示現階段居住在與台灣成長環境完全不同的地方，有助於她的創作，並且真正認識自己，她說：「我比較在乎投入自己的繪畫中，而不太在意別人如何評論我的作品，我在意的是給自己一個『定位』，知道自己站在那裡就夠了。」
在蘇活區的工作室中，欣賞了陳張莉的近作，如今她更在作品中加入了壓克力、蠟等媒材，加強了作品在空間中的力量，也因而更擴大觀者的想像空間。
視覺的「復位」
和陳張莉一樣，楊世芝也是在台灣接受完整的基礎教育之後，才出國攻讀藝術的，楊世芝說：「我廿七歲才開始讀藝術，因此與同學們在思想上有些差距，而常發生所謂的寫實與抽象之爭。」她指出，自己曾經畫了一件作品，很簡單的就是一塊地面，上面有光線、有圍籬的倒影，是她家附近所見的景緻，對她而言，那作品再寫實不過，但同學們卻認為那是抽象畫，而令她深刻體會出所謂的寫實、抽象，不過是一體兩面，在她單純、直覺的視覺經驗中，很清楚明白自己所從事的是寫實繪畫，然而一般觀者的視覺經驗，在被思維、邏輯、文字所影響後，視覺不見了，純粹的視覺經驗再被概念化之後，已「視」而不「見」了！
在這樣的認識後，楊世芝在作品的表現上，便一直不斷地探討視覺經驗的多重性，她認為：「寫實、抽象，二度、三度的表達形式是可以同時並存、相互遊走的，重要的是如何激發出觀者在『視覺』上的『復位』」。楊世芝說：「在我的作品中，我試著把視覺經驗以直觀的方式呈現，讓視覺中的複合意義再現。」
當與創作者經過溝通之後，觀者將不再對作品中的形與色產生疏離感，觀者只要去「看」，「看」是一種全面且即時的直接接觸，融合了直覺／知覺、無意識／有意識、主觀／客觀、感性與理性等各種可言傳與不可言傳的因素，一旦視覺經驗可以用「直觀」的方式取得時，所有的概念、邏輯思維便自然隱退，視覺經驗便有了全新的再現，而其多重性便不再被單一概念所設限，於是在解決作品時便可出現海闊天空的巨大力量，而抽象也就不再那麼難以接近了。
楊世芝不是活動力強的人，但她對創作的執著卻不容忽略，尤其是面對她的作品時，我們便被震懾住了，其豐富的內涵毫不隱晦，表達形式也十分詩意，呈現磅礴的氣勢，視覺經驗因而有了全新的感受。
創作存在於生活中
賴純純的作品不論是平面繪畫或雕塑，都顯得十分放得開，自在的不得了，彷彿老僧入定，自在而安靜，每每在她的作品之間，觀者也不禁要將心放下，置於胸腔之底層，只用精神與作品溝通、對話。
一直以來，賴純純的作品，即便是立體或雕塑作品，都是屬於抽象表現。在雕塑的部分，她強調的是「場、凝聚的力量」，她將這個部分的創作理念分為三個程序，一是在創作的過程中，與物件在時空下互動而產生持續流動的「場」；二是當物件本身因其材質、形體與現成物背後所記載的人文精神與痕跡，在時空的位置之間形成「場」；三是觀者與作品在相互觀照下產生了互動的力量，於是「場」的凝聚力量在延續中擴大，並在不斷的流動中產生力量而生生不息。
在平面作品上，賴純純則強調「存在與變化」，她說：「筆墨色彩是我的足跡，時間的流動是它的構成，重重延綿不絕的水平線是凝聚的完成與延續。」
這些年來，賴純純一直與夫婿旅居在美國洛杉磯，但她卻不曾中斷過回台灣發表新作，就如她自己所言，透過創作，自省並成長。而賴純純的作品早已呈現信手拈來的一種境界，創作與生活早已在她的生命中結合為一體了。
近來，除了創作不斷，賴純純還與一群熱愛現代藝術的朋友組成了 SOCA 現代藝術團體，計劃在台灣推廣現代藝術，屆時我們將可看到賴純純在創作之外的另一分成績單。
掌握自己能掌握的，並適可而止
薛保瑕在紐約已經十一年了，目前她是紐約大學藝術博士候選人，書讀得辛苦，卻從未對創作掉以輕心，常有人問她：「身為創作者，又要從事理論研究，二者之間是否造成衝突或出現矛盾？」她說：「理論的充實之後，再經過轉換，過程雖艱澀，但實質收穫更多，尤其自我成長的部分更見效果。」
薛保瑕的抽象繪畫在國內是相當受到肯定的，九○年以來，她習慣性地在作品中加入一種或多種的雕塑或日常物品（如魚餌、魚網等），更加強了作品的象徵性；如今魚網的運用仍延續中，只是薛保瑕在運用這項日常物時，更為精準、成熟和穩健了，而她所思考的議題也更為深沉、更具人性了。
在紐約布魯克林區，薛保瑕的工作室中，有機會欣賞到一件名為「滄海一粟」的作品，這件作品在完成之後，薛保瑕再用魚網將之全部包了起來，她說：「最初的動機是：撒網的人，設下了陷阱、危機，可是網撒下去又會捕到什麼？其意義又如何？這件作品的形成和中國人的『放生』想法是不謀而合的，『放』的舉動是善的，可是為了這個『善』，卻在有意無意中又含了鼓勵去『捕』的『不善』，這之間是矛盾的。『粟』的解釋變得很重要，但『放生』真有意義嗎？」
如今，薛保瑕是愈來愈能將生活中的理性問題，用感性的創作去解決了，而不可否認的，這和她這些年來鑽研在理論之間有絕對關係。薛保瑕也不斷地被自己要求再面對→突變→解構→再應變→否認原有動機→再組織→解決困境→最後重新發現自己，她說：「生活在不斷變化中，人也學著不斷再面對，創作也一樣，藝術家是撒『網』捕『粟』的人；我愈來愈害怕自己在創作時，只流於形、色的界定，我要求自己如何再使之深沉、芳香，掌握自己能掌握的，並適可而止。」
為了學業，薛保瑕仍得繼續留在紐約，身在國外，不免要重新整理自己的理念、解構過去的自己，但其挑戰性更大，意義當然更不同。她說：「人不應滿足現狀，應不斷催促自己往前走，在紐約刺激性很強、腳步快，力量自然更大。」
後記
二十世紀的初期，抽象繪畫一度是當代藝術的主流，但它逐漸式微了；世界性的美術潮流，在經歷了六○年代的普普、七○年代的觀念藝術，八○年代抽象主義又回來了，國際藝壇重要的藝評家克雷蒙‧葛林堡 (Clemen Greenbur) 曾在紐約時報的一篇專訪中指出：「我認為二十世紀最重要的藝術，就是抽象藝術。」而他就是五○年代，將美國抽象表現主義介紹到國際藝壇的人。而九○年代藝術的訴求又是什麼？這需要時間來證明。
然而，在抽象藝術一直不受青睞的台灣當代藝術，竟然還是有這麼多藝術家在努力耕耘，他們不被市場牽引、不被市場影響，只是努力地在創作、面對自己、認識自己的自我成長，藝術的本質在這個園地中顯得純粹而不受干擾，因此她們的成就格外令人覺得珍惜。
這次推出這樣一項策劃展，除了表示我個人對陳張莉、楊世芝、賴純純、薛保瑕等從事抽象創作藝術家的敬意之外，也希望藉由這個展覽拉近觀者與抽象繪畫的距離。其實「抽象」並非艱澀不可親近，問題是：你是否願意敞開心胸去接近它？
(雄獅美術1994年4月278期) |
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