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| 理查德．塔特爾的藝術世界 |
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文 / 陳瀅如
創立於1935年，舊金山現代美術館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SF MOMA），是美國西岸第一個致力於現代藝術的美術館。館內的藝術品收藏量超過兩萬件，包括杜象、羅森伯格、凱利、蒙得里安、馬格利特等等藝術大師的巨作。策展分五大部門，繪畫與雕塑、攝影、建築與設計、媒體藝術、推廣教育。
2005年的重頭戲，美國藝術家 ─ 理查德．塔特爾的藝術世界(The Art of Richard Tuttle)，由瑪黛琳．葛林斯坦(Madeleine Grynsztejn)總策劃，展出塔特爾這四十年創作生涯的三百多件作品，包含雕塑、繪畫、集合物（assemblages）與藝術家自己製作與設計的書本。經由世界各地的私人收藏家，畫廊與美術館的協助，提供他們的寶貴收藏，讓此次展攬規模不但龐大，也是塔特爾最完整的一次回顧展。
出生於1941年，紐澤西州(New Jersey) ，自六零年代中期開始，塔特爾便隨著美國整體的當代藝術潮流，以紐約市為起點，開始他的藝術生涯。塔特爾在紐約許多畫廊與美術館，諸如惠特尼美術館與紐約當代美術館皆有重要展出，也得到許多國內重要藝術補助，例如美國國家文藝基金會與史考西根獎(Skowhegan Award)，藝術創作備受肯定。其作品最初期的重要特色是試圖模糊繪畫與雕塑的類型，並運用在當時屬於非傳統的素材創作。塔特爾的作品經常被認知受極限主義的影響，許多藝評家更認為他是最具影響力的後極限主義藝術家。
1965年，二十四歲的塔特爾在紐約的貝蒂‧帕森司畫廊(Betty Parsons Gallery)舉辦第一次個展，展出一系列號稱「建構繪畫」(constructed paintings)。藝術家將木板裁切出簡單幾何造型，塗上淡彩度的顏色，每一單件作品只上一種顏色。「建構繪畫」系列作品掛於牆上是一幅繪畫作品，但實際上作品本身突出的厚度卻又與空間產生交互作用，如同雕塑品需要處理的三度空間。作品若擺至於地板上，是一件立體雕塑品，但那樣類似浮雕的高度，與作品的色彩，卻又極像一幅躺在地上的極限繪畫創作。塔特爾的「建構繪畫」，可明顯看出藝術家企圖讓自己的創作難以歸類，游走於繪畫於雕塑之間，再者，幾何造型的簡單線條雖受極限派潮流的影響，但作品的顏色運用與彎彎屈屈的材切邊緣，又不若極限主義冷俊爽利的特色。
走入美術館四樓展聽，若沒有仔細注意，很容易會忽略在入口處與連接兩個展示廳的通道牆上，有一系列幾乎與牆面結合在一起的作品。一張張白色不規則型的大紙，幅貼在整片白色弧形的牆面上，作品只由些許的光澤面和薄薄的紙片厚度與展示它的牆做區別。這件低調存在的作品，幾乎消失在空間理，與美術館無聲無息的溶為一體。
策展方向以編年史的方式將塔特爾的作品分為四個階段，六零、七零、八零年代與九零年至今。六零年代除了上述的「建構繪畫」，塔特爾持續使用圖形符號，朝融合繪畫與雕塑的型態方向繼續創作。藝術家將材質延伸到軟性質地的帆布料，裁減成一個個幾何型版，將邊緣內折縫製固定後，放入色彩顏料中染泡，再披起晾乾，讓布料的折皺與染料曬乾的過程保持原始原味。塔特爾摒棄刷筆，反之用染缸著色；拋置畫框，用材質體的邊緣自製具立體厚度的框架。這批作品，可以掛在牆上，也可以放在地面上展陳，沒有上下左右，亦無正面反面。就繪畫來說，沒有方芳整整的畫框規範；就雕塑而言，它的材質與形式又是如此的親向繪畫，但又具備三度空間的暗示。藝評者史考特．柏頓（Scott Burton）在當時指出：「很難斷定塔特爾是畫家亦或雕塑家，他可以兩個都是，也可以兩個都不是！」
塔特爾七零年代時的作品，整體尺寸縮至手掌般的大小。當美國雕塑大師理查德．賽拉（Richard Serra) 正聲名大噪時，相較於賽拉巨大的弧形金屬牆作品，塔特爾用兩小片金屬片組成有弧度的迷你雕塑，命名〈線〉（Lines）。塔特爾這個時期的創作，「線條」扮演極重要的腳色。另一組〈線之作品〉（Wire Piece）的系列，藝術家在牆上用鉛筆於兩點之間畫出一個線條造型，譬如一個Ｖ字，並不避諱癲頗的牆面，讓鉛筆線條在多處呈現微量的彎曲變動。之後，將鐵絲的起端固定在鉛筆線的起點，照著鉛筆線條的軌道，慢慢的且仔細的折出形狀，而後固定鐵絲另一頭於鉛筆線末端。藝術家讓有彈性的鐵絲自然垂掛，這時，兩點之間呈現鉛筆線、鐵絲與影子線條的交錯變化，不同的材質運用，但持續的探討平面繪畫與三度空間的相互作用。同時塔特爾也一直在從事繪畫實驗，每天畫圖以成為例行公事，他的水彩拼貼作品，把水彩紙剪成一片片幾何圖形，刷上水彩，直接貼在牆上。他嘗試破除紙張的四四方方的邊緣並不只如此，有些作品有紙片圖形延伸的鉛筆線條，有些則是把紙片一角摺起來，變成一半是平面、一半是立體的作品。塔特爾七零年代的作品，在那個世代，是實驗性非常高的代表，線條在他眼裡不只是一條線而已，它可以是繪畫裡的基本元素，也可以是一件金屬線製成的極簡雕塑，當然同樣的，兩者同時並存。
塔特爾似乎一直對「框架」這個主題不停的思考，從展示館一開始幾乎成為牆面的一部分的「白紙在白牆上」作品，繼而又是雕塑也是繪畫，一直到拼貼創作也是無邊無框，紙上的延長到牆上，平面的延伸到立體。他對「畫框」這個傳統物件，似乎想法特別多。這個隔絕現實空間與藝術品的邊界，既然不屬於創作的一部分，也無需存在。這個概念在塔特爾八零年代創作，具體的突顯出來，以往不想被框住，現在乾脆拿框來創作。一個個不加修飾的手製畫框，在框裡的物件千奇百怪，有框住傳統油畫框的側邊，有的畫作比框還大，有的框裡有框，更有框住創作時留下的殘餘物。這系列的創作也為藝術家的集合物(assemblages)創作方向鋪路，塔特爾開始用人們容易遺忘甚至丟棄的物品製作作品，這個時候創作的集合物作品，還是懸掛在垂直空間的牆面，到了八零年代晚期，作品從牆面上漸漸遷移到地板，作品尺寸也變大，這些日常生活中一點價值也沒有的物件，成了藝術家最能直接表達創作理念的媒材，相較於之前寧靜氣質的作品，這些集合物作品似乎暗示了藝術家在此時期人生上的動變。
九零年到二時一世紀的今天，塔特爾驚人的創作能量並無因為年長而消逝，創作方向回到了最初的靜謐與謙虛的氣息，「建構繪畫」式的特質再次出現，作品上出現浮雕高度的起伏，但色彩的選擇比年輕時還要濃烈。塔特爾目前居住在紐約與新墨西哥州兩地，九八年製作的〈新墨西哥，紐約〉系列(New Mexico, New York)，他將兩層不同大小的木板重疊，製作像信封一樣的圖形，在其上作畫，信封隱喻創作者兩地跑的狀態，而抽象圖畫可以被解釋為路徑與河流。最後美術館也展出藝術家自己製作的書本，塔特爾一直對「書」這個媒介很有興趣，他認為藉由書本的形式創作，讓他的作品更能與讀者親密的一對一接觸，進而產生無聲的對話。
至今四十餘年的創作生涯，在館方細心策展的方式下，可以清楚的了解這位藝術家的思考脈絡與創作動機。 如何把在也平常不過的創作素材發揮到最大的可能性，而非直接接收傳統學院模式？塔特爾給了答案，也同時丟出問題。欣賞塔特爾的作品，可以很容易的揣測這位藝術家的本質與個性，低調但具明顯的情緒，謙虛卻也叛逆。理查德．塔特爾的藝術世界由舊金山現代美術館(www.sfmoma.org)呈現，為期三個半月的檔期將展至十月中。
（藝術家雜誌，No.365 民94.10，p438-441） |
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