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以藝術求道──陳慧嶠的藝術創作
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文 / 莊偉慈
結束的同時也就是開始。──陳慧嶠
與藝術家陳慧嶠訪談的過程中，談論生命經驗與藝術創作的時間幾乎是差不多的。一部分的原因是因為同時身為伊通公園的負責人（之一）與藝術家，陳慧嶠和許多藝術工作者都非常熟稔，因此訪談過程常常並不只有剖析作品，有更多時候是在分享創作之外的故事。另一個原因則是陳慧嶠的創作完全與她的生命經驗，特別是感性的經驗息息相關。這讓人不由得聯想到已故的法國女性藝術家露易絲‧布爾喬亞（Louise Bourgeois），其創作的靈感大多是來自於幼時經歷，特別是不同的歷程中與其女性身分相疊合的經驗。
當然，若這樣過於簡便地去分類陳慧嶠的作品是某一類型的「女性主義藝術」或是具有女性特質的藝術創作，不僅過於草率，同時也完全忽略陳慧嶠創作背後的思維。畢竟，雖然她確實意識到現代藝術以來普遍的男性迷思，以及持續存在男女不對等的情況，但陳慧嶠的作品始終是從生活中開展出來。她在媒材的選擇、探索到呈現的形式，彷彿帶著超現實主義中某種神祕的詩性，以及現代藝術中的實驗精神，以藝術創作對觀眾訴說感性經驗的迷人，以及複雜而迷離的現實關係。
從伊通公園為起點
做為伊通公園的創辦人之一，陳慧嶠的名字是許多藝術圈人所熟悉的，在過去近卅年的時間，伊通公園的存在，讓許多藝術家能夠有發表作品的展地，而無論是空間的負責人、藝術家甚至於心靈導師，陳慧嶠在不同的角色中穿梭，總是提供給許多聚集在伊通公園的人們必要的陪伴與支持。身為一個非科班出身的創作者、一個台灣最重要的獨立藝術空間的負責人，回過頭看創作與藝術時，陳慧嶠又有什麼樣的觀點？
「畫畫這件事情是從小時候就喜歡的吧。不過真的認真把創作當回事，是在1980年代在春之藝廊認識莊普與賴純純他們開始。」陳慧嶠說，春之藝廊在當年舉辦許多非常前衛與具實驗性的展覽，而經由莊普的介紹，她到了同樣位於伊通街的SOCA上課，當時許多觀念新穎的藝術家如賴純純、盧明德和莊普等人，都在那裡授課，「除了接觸到歐美正流行的藝術觀念，我們也常常經由互相討論來理解藝術。」1989年，陳慧嶠去巴黎一趟，幾個月後回來台灣，沒多久就與莊普和劉慶堂，共同成立伊通公園。對陳慧嶠而言，這個藝術空間提供了足夠的養分，不僅是在實際的空間上能讓藝術家們有發表的場地，同時透過每一次的展覽與不斷的交流，這些年輕的藝術家們能夠毫無包袱地進行實驗。
在1990年代後半期，伊通公園的藝術家們時常一起舉辦聯展，在1997年於台北市立美術館所舉辦的「伊通公園台北市立美術館聯展」中，參展的藝術家們決定做一個「不是展覽的展覽」，展出的方式則是各自提出現成物，顛覆傳統定義的藝術媒材，而這也是陳慧嶠首次使用床做為主要的表現形式，「其他藝術家像是莊普就用了貨櫃，而陳順築則是展礦泉水，還有藝術家展出檳榔樹等。在那次的展覽我們做了滿多挑戰性的事，比如在展覽中我們設置裝置，讓北美館和伊通公園可以同時打電話並且視訊。」這次的展覽，除了顯示出1990年代末期，台灣的藝術家們亟欲透過創作突破現狀，也因為這種積極尋求突破的氛圍，推動陳慧嶠在媒材上的探索開啟新的一章。隔年，也就是1998年的聯展「寂靜的目光、我要煎荷包蛋──陳慧嶠、顧世勇雙人展」中，陳慧嶠更進一步從夢境中汲取靈感，透過創作做更多的探索。她提到，自己使用床鋪為媒材，其實與自己時常做夢有關，「不過其實最初並沒有特別意識到對於夢的探索，一開始只是想挑戰空間與裝置，北美館的展覽是一個起點，因為我開始嘗試不同媒材，讓空間更有趣味，也因為如此，包括針線、床、乒乓球等媒材，我才會持續發展與探索，不斷地透過創作去實驗這些材質還有什麼可能性。」
夢境與神祕學的挖掘
文學、夢境與對現實生活的觀察體驗，是陳慧嶠最重要的靈感來源，而床、針線與植物，是三個陳慧嶠創作中明顯可見的物件與媒材。近日她的新作〈床外的藍天〉，就是以針線與床轉譯她對於戰爭的歷史片段以及其夢境和潛意識。那些床上被各種顏色的棉線所編織出來的意象，彷彿是各個人生片段的殘影，針與針之間被穿越其中的棉線連繫著。事實上，神祕與詩性是很常被拿來解讀陳慧嶠作品的形容詞，對於生活中許多難以說明或帶有既視感式的經驗，讓陳慧嶠一次又一次地將他們透過不同的方式呈現在作品中。最早在2005年的作品〈空轉〉，陳慧嶠透過光柵片的使用營造出鳥的飛翔意象，而這個影像之後又出現在另個裝置錄像〈內在的回憶〉中，作品中的影像以循環播放的方式串起了蒙太奇般的片段，始於飛行的鳥終於落水的女人，但墜落之後緊接著又是飛行，這循環規律且持續重演，彷彿暗喻著人生的境遇是不斷更替，終點只是另一個起點的開始。
陳慧嶠從來不曾避談作品中對夢境與神祕學的挖掘，她在訪談中甚至還談起了和格蘭菲迪駐村計畫負責人安迪・費爾葛瑞福之間無法言喻的默契，一種跨越時空的羈絆。「我以前讀過一本小說《水之鄉》，書中在探究歷史的真實性以及人在歷史洪流中的位置。裡面的敘述啟發了我，也成為2006年在台北當代美術館個展『此時此刻』探討的內容。我總認為在生活中，我們的意識、記憶與經驗很可能會相互重疊，許多事情都會有種既視感。有時候說不出來為什麼，但創作的時候我下意識選用的媒材，都回應了我曾經歷過或尚未發生的經驗。」比如〈體內的一種感覺〉，是陳慧嶠在蘇格蘭駐村時的作品，但直到展出後她才被告知其中使用的薊花，其實是蘇格蘭國花。而另一件與小說家伊格言合作，於2013年「玩藝文學節：疆界內外」展出的〈噬夢人〉，其中的星光意象與小說中的場景重疊，但陳慧嶠卻是事後閱讀小說才發現這樣的巧合。陳慧嶠擁抱從文學、夢境和潛意識中取材的可能性，也以非常細膩幽微的手法轉化其中過度直白或太尖銳的部分，如同常常出現在床上或柔軟布料的細針，表面上看來甜美無害，但卻也同時召喚著觀者更為深層的感官或意識，彷彿這種混合美好與危險的矛盾，無時不刻地存在我們的生命中。
由於陳慧嶠鑽研星象學，在她許多作品的意象都常挪用星座形狀或代表的意涵，包括目前正於台北市立美術館廣場前所展出的〈預許之地〉，表面上看似用花卉與草皮直接在地面上作畫，創造一個可供民眾休憩的花園，但無論是鞦韆的位置、雷射光所形成的150度角乃至於波斯菊都有特定的意涵。陳慧嶠說，作品混合自然與宇宙神祕力量的觀點，試圖說明人與自然，以及內在和宇宙秩序相呼應的關係。「我的作品並沒有一定的解讀方式，每個人看了會有不同的感受，但我覺得這樣很好，因為藝術家本來就需要將閱讀的空間讓給觀者。」
陳慧嶠提到，藝術對她而言是一種「求道」的方式，這不僅僅意味著自我實踐，也是身為藝術家的她能夠以藝術的語言表述與證明自己的途徑。「每個人在自我追尋時，都會透過不同方式的演練去與外在世界建立關係。就像文學家、音樂家，他們透過創作文字與音樂，而我則是透過藝術。每個人終究都會找到適合自己的方式與不同的途徑，反覆操練來達成此事。」
在她看來，「自我」的意義並不僅只於表面上的兩個字，因為沒有外在的相對性，「我」就不會出現，就如同照鏡子一般，需要找到對應的關係才會看清自己的模樣。對陳慧嶠而言，創作即是心靈的旅行，就像赫賽透過書寫完成自我追尋。而這趟旅程在她卸下伊通公園的工作後進入新的篇章，如同〈預許之地〉中那夜晚才會出現的「上帝的手指」相位，預示著重新替自己生命定調的契機。
（原文刊載於《藝術家雜誌》2018年12月，No.523，頁242-247）
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