《 視覺眩暈─台灣媒體藝術六人展： 策展專文 》文 / 王嘉驥

今日世界已邁入全面視訊化的時代，影像無所不在。隨著傳媒的奇觀化，人的視覺主體性也快速異化。即使原本高度仰賴「視知覺」的繪畫藝術，幾乎也無可避免地淪為數位影像的臣服者──放眼台灣年輕世代的創作，此一現象尤其顯著。這是一個人文主義藝術式微的年代，電子數位視覺取代了人性視覺的感知及其審美。

異化年代裡的電子數位影像提供了絢麗、光怪陸離，甚至荒誕的視覺奇景，「虛擬」走入當代日常生活的實境，逐漸掌控現實。全景環場式的同步、共時且並置的影像視角，不但破除了傳統單一視點的線性透視再現神話，更為人帶來一種前所未見的視覺眩暈與聲光震撼感。人的視覺觀看快速臣服於電子式的數位顯影與造像技術，影像全面統治的奇觀化時代已經降臨。

台灣新媒體藝術遲至1990年代末期才方興未艾。年輕一代藝術家對於新媒體的嘗試，有較高的比例是著重在技術性的實驗或運用，而且大致不脫兩種實踐的脈絡：一種是透過機械或電子裝備的混接改裝，將其發展為動力性或互動性的立體裝置；另一種則是主要仰賴軟體的應用，以再現或虛擬的影像作為基礎文本，提出個性化的造形創意或修改，主要表現為一種影像的藝術。過去十餘年來，這兩種創作脈絡出現了明顯的消長與變化。來到近期，台灣新媒體藝術創作者大多簡化至以影像的生產為主。

自2003年以來，鳳甲美術館即持續鼓勵台灣新媒體藝術的創作與發表。本展係由策展人應邀策劃，屬於館內年度重要的軸心展之一。以「視覺眩暈」作為命名，本展有意重訪影像生產作為一種技術與美學的基本議題。面對台灣近期新興傳媒如雨後春筍林立，影像充斥，甚至浮濫，具體反映了消費主義社會的行銷訴求，此刻以媒體藝術的創作做為思考的節點，反思影像生產的本質及其意圖，注入具有人本意識的技術與美學關懷，似乎仍有其必要性及有效性。實際上，即使新媒體藝術已經成為台灣當代──尤其是年青世代──藝術家的重要創作選項，甚至已經走進藝術學院，成為重要的創作學程之一，攸關媒體藝術核心本質的技術、藝術與美學的問題意識及辯證，似乎仍是台灣媒體藝術創作者較少注目的主題。

「視覺眩暈」策劃展有意邀集較為資深的媒體藝術家，連同較為年青世代的創作者，透過新作的發表，形塑互為文本的展覽語境，具體反芻影像作為一種美學暨傳媒形式的視覺模式，也期待觀者能夠更自覺地觀看，進而對於現實世界的傳媒奇觀及其視覺操縱的結構有所知覺。展中共邀集六位藝術家暨團隊，分別是高重黎（1958-）、袁廣鳴（1965-）、豪華朗機工（由張耿豪〔1980-〕、張耿華〔1980-〕、林昆穎〔1980-〕、陳志建〔1979-〕組成，團體成立於2010年）、吳季璁（1981-）、陳萬仁（1982-）、張暉明（1984-）。這些都是台灣目前較為成熟且受矚目的媒體藝術創作者。因應本展的策劃邀請，他們也都發展新作參與展出。展出的作品，雖然都以影像作為訴求，其表現的形式、手段與技術卻互有差異，類型亦涵括新、舊媒體，並以立體動態裝置的方式展出。

總體而言，《視覺眩暈》策劃展有意詰問的是：影像和媒體在傳媒奇觀的年代，是否還有成為「藝術」的可能？而身處這個年代的影像和媒體藝術家，又該如何思考與開展創作的議題？資本主義傳媒所製造的影像奇觀早已當道，更快速地鏈結為資本密集且無遠弗屆的全球化網絡。藝術家如何重新解放自身做為視覺主體的能動性，而非被動地淪為商業行銷體制及其影像邏輯的宰制對象，甚至成為消費市場推波逐瀾的業者及幫傭，這是台灣當代媒體藝術所面臨的嚴酷考驗。