《 移動中的微型城市：關於桑久保亮太的《十度感傷》 》文 / 王聖閎

桑久保亮太（Ryota Kuwakubo）的〈十度感傷〉是一件僅僅透過簡單的運作機制與裝置原理，便能帶來豐富觀看經驗的有趣作品；它只需要一個黑暗的房間、LED光源、改造過的玩具火車，以及隨處可見的日常物件，便可創造出沉浸式的影像世界，並且於經驗作品的同時，令觀者來回切換關注的焦點，進而反思其感知模式。

當觀者走進裝置房間，將會看到一個LED光源裝設在一台改造過的小型玩具火車上。火車沿著路線經過特殊安排的軌道緩慢前進。周邊圍繞著各種尋常物件，例如那些充斥在一般大型賣場中的日用商品，或者模型店裡可以找到的任何微型擬仿物。這些物件的位置、大小、造型皆由藝術家仔細挑選、設計過，精巧地布置在四周，以致通過LED光源而呈顯在房間牆壁、天花板及地板上的影子，看起來開始像是某些似曾相識的風景：例如曬衣夾令人聯想到高壓電塔、漏斗有如淨水塔、紙簍彷若天然氣儲存槽、彈簧圈變成隧道、盒子看似高樓大廈⋯⋯諸如此類。它們就像許多不斷游離在城市邊陲與鄉鎮交界，卻又不斷被人們拋甩至記憶之外的尋常景致—特別是那些總在通勤過程之中褪變為灰白色階的日常畫面。但在〈十度感傷〉這樣單純而樸素的投影效果裡，牆上的影子卻顯得比真實風景更為輕盈或稀薄，因此，觀者重返的是一個藉由物件操玩及感知切換，讓想像力與知性自由交會的類童年遊戲經驗。

起程，玩具火車會以平滑而緩慢的速度前進，讓觀者的個人經驗與物件投影之間產生種種或私密或任意的連結。影子串接成具敘事性的動態影像，如虛擬實境或動畫一般穿過平原、荒蕪的遊樂設施或高聳的建築體，令人覺得彷彿就置身火車頭上。觀者於是獲得一個具有沉浸性的想像身體，而火車即是觀者的阿凡達（avatar）。回程，火車開始以五倍的速度在軌道上移動，於是牆上的影子也開始以五倍速不斷向後倒退、流逝，令風景在視線消失的遠方凝結成某種特殊的感性經驗晶體。另一方面，如高鐵一般奔馳的動態影像開始撕扯著原先那個「投射於LED光源前方的觀者身體」—那不單純是脫離常人行走速度極限的機具式移動，其速度甚至快到令觀者被拋回原有的肉身（flesh），進而意識到整個裝置的運作機制，以及觀者自身駐足在這房間之中的觀察者位置。

換言之，在此藝術家起碼給予了兩種觀看模式：妳／你可以僅僅關注於牆上的投影世界，如同在電影院中雙眼緊緊盯著螢幕一般，而將地上的日常物件與火車機具視為一個完整的影像放映系統。或者，妳／你也可以只將觀察重點聚焦在整個裝置現場與這些物件的擺放狀態，而將它認知為一個精心設計的小型迴路裝置（gadgets）。在前者的經驗中，暗示一個意識、感知及欲念都重新配置的機具化視野，意即一個非人化的觀看，或者一種必然與影像媒介特性相互交融的觀看。這種經驗召喚的是既有肉身的去體現化（disembodiment）想像，並嘗試以機具或影像媒介所建構的「再現的身體」（represented body）替換之。但在後者，則純然是回歸我們作為觀察者既有的身體位置；或說那是在抗拒「影像的沉浸性誘惑」的情況下，以更為抽離的觀看態度嘗試對裝置的整體有所把握，並且進一步考察作為肉身主體之當下，滲入感知範圍內的諸多細節變化。

有趣的是，藝術家顯然不是要觀者在這兩種模式之間做抉擇，實際上也太不可能。相反地，在整個觀看過程之中，觀者會不斷在這兩者之間來回跳躍，甚至在切換其中一種觀看模式的同時，反思在另一種模式下的經驗內容。這也是桑久保亮太為我們拉出的特殊議題面向：表面上來看，這件作品的創作脈絡，當然可以單純歸納為「對日常物件的非常規化使用（unconventional usage）」，進而指出它如何揭露各種岔離出日常生活軌道的「超常」面向。但指出這點還不能說明〈十度感傷〉的特別之處，特別是它與那些運用日常物件之互動作為噱頭的廣告短片、MV之間的差異（例如美國搖滾樂團OK GO為其專輯〈Of the Blue Colour of the Sky〉所拍攝，精密計算日常物件之間的骨牌效應的MV ［註］）。換言之，〈十度感傷〉涉及的不只是關於日常物件的奇思狂想，更不能單純化約為一種奇觀化體驗的塑造過程。雖然，這件作品確實帶領我們回到那個介於著迷與沉醉之間的戲耍式（ludic）鑑賞裡，回到一個僅僅關注於感知模式，以及感知對象之形式變化的凝視裡。但觀者在這裡觸及的並不只是無關乎利害的美感經驗。

不妨說，桑久保亮太在沒有任何數位技術支援的條件下，便以全然低階科技（low-tech）的方式觸及到藝術與科技交會的核心議題之一：混雜在當代媒介環境中的中介化身體。這件作品不只要求我們反身地對感知模式與身體位置進行考察，它還從「類比」的反向角度指出，影像生產機具、介面如何影響當代經驗對於「科技感」的界定：動態的（虛擬）影像固然讓觀者得以離開「作為肉身存有的他／她」，逃離那個被固著在世界中的原始位置。影像所構築的世界充分回應了人類最深層的慾望—超越身體、時間與空間的限制；轉換身分與自我、粉碎肉身並向外（上）飛行，透過媒介獲得更為多元分歧的在場，以擴張既有的意識領域。但這種屬於「超人」層次的後人類狀態，或許並不能直接等於藝術的未來全貌。至少在〈十度感傷〉的脈絡裡，感知模式的來回擺盪，或說在「有限」與「不朽」之間的擺盪其實提醒著我們：任何去體現化的經驗最終仍會導回肉身主體的位置肯認，並再次鞏固感知與身體之間不可分割的深邃關係。要言之，任何抹除肉身存有的影像世界，終究只是藉著自由想像將我們加以豢養的暫時性幻夢。因為我們越是仰賴機具介面所帶來的超越性動力，機具介面就越是向我們清楚揭露，我們之為我們的脆弱性。